戦う!!ヴァイオリン

昔の資料の中から懐かしい物が出てきました。

7年前に初めて音楽以外のアーティストとコラボレーションをした時のものです。
パフォーマンスのタイトルは『ricefields』(田んぼ）。
僕の友人であるオーストラリアの作曲家David Youngが日本に来た時に得たインスピレーションが元になりました。ソプラノ、ヴァイオリン、リコーダー、パーカッションの演奏家とビジュアルアーティスト、照明デザイナー、サウンドデザイナーがDavidの作品を演出しました。

この作品はその後フランスや日本でも演奏しましたが、難しい現代音楽でも視覚的効果によって一般の方にも喜んでいただける事を実感させられた公演でした。今後も他のアーティストとのコラボレーションを続けて行きたいです。今探しているのは僕の演奏に合わせてコンピュータグラフィックで伴奏(？)してくれる人。誰かいないかな〜？

新曲の練習を始めました。11月に東京で初演する森田泰之進さんのヴァイオリン・ソロの為の「歪率0.618」と言う難しそうな曲名！森田さんは独自の音楽観でいつも魅力的な曲を書かれますが今回も演奏が上手くいけば素晴らしい曲になるでしょう。

まだ途中までしか出来ていない黄金分割が関係していそうなこの曲。明後日森田さんと打ち合わせをするのですが、かなりの難曲です。と言うのもヴァイオリンを弾きながら声も出さなくてはならず、つまりヴァイオリニストが一人でヴァイオリンと歌(歌詞は無し)のデュエットをするのです！

僕のＣＤにも１曲そんな曲は入っていますが、今回のはヴァイオリンの呼吸と歌の呼吸とが合っていない…。息を使う楽器では考えられない話です。僕はヴァイオリンを演奏する時も管楽器と同じように呼吸をしながら弾いているのですが、息を吸いたいところで吸えない！逆に息継ぎをしたくないところでしなくてはならない！！

歌って踊れるヴァイオリニストを目指す僕にとって一つの試練となりそうです。11月1日、東京オペラシティリサイタルホールで19時開演。１曲目になりそうですがお近くの方は僕の苦しむ姿を見に来てください。

現代音楽の楽譜は伝統的なものとは少し風景が違います。それは作曲家がより細かく自分の音楽を伝えようとしたため。昔は強弱すら書いてなかったのに進歩したものです。

これは僕のCDにも入っているファーニホウの作品の冒頭部分。８分の２拍子なのに２分音符以上の長さが〜！と言うのは上の７：４や５：３のせい。これは現代独特の連符の書き方で、初めの方の数字で７連符、５連符といった感じになるのです。

まずは７：４。これは16分音符４つ分が７連符になります。つまりこの時点でこの小節の中には７つ16分音符が入っています。
次に５：３。これは上の７連符のうち初めの３つが５連符になります。この結果この小節には５＋４(７連符の残り)で９つの16分音符が入る事になるのです。

どうして作曲家はこのような書き方をするのか？それはテンポを変えずに微妙な間や“溜め”が表せるからです。この楽譜の場合２つ目の重音(ドの＃とレ)は、８分の２拍子を単純に４つの16分音符で区切った時、２つ目の16分音符より0.014秒遅いタイミングになります。この一瞬の“溜め”がその音のエネルギーを増大させるのです。

クラシック音楽を演奏する時「そこは少し待って」とか「少し早めに」とか楽譜に書いてない事を表現しますが、その微妙な揺れを楽譜に書いてしまう作曲家もいるのです。
ちなみにこの曲はこの後、さらに複雑になっていきます･･･。CD聴いて下さい！

（フラットの反対になった記号は、半音ではなく1/4音低くします）

現代音楽の魅力を伝えるこのコーナー。これから何度もこの人が登場するでしょう。

細川さんは現在ヨーロッパでは最も重要な作曲家の一人。どこの音楽祭に行ってもテーマ作曲家になっている感じです。細川さんの音楽は僕から言わせれば“コテコテの日本音楽”！こんなに僕たち日本人の動き、間、呼吸に合った作品を書く人はいないと思うのですが、ヨーロッパで認められているのは何故か？それはやはり日本の精神、哲学を西洋の伝統的な記譜法で分かりやすく書いておられるからだと思います。

僕はどんな音楽を演奏する時でも、音を発していない部分を大切にします。物理的に音が鳴っていなくても、音楽が持続している限りは休符の中にも魂が存在するのです。僕は昔から書道の動きに興味があり、実際には紙の上には存在しない空中の動作がとても重要に感じました。高校時代にやっていた器械体操の演技でも、技から技へ移る際には細心の注意を払ったり、自分の呼吸に逆らわない動きを心がけました。その書の動きと音楽を結びつけたのが細川さん。初めて秋吉台の現代音楽セミナーで細川さんの講義を聴いた時には“これだ！”と思いました。

細川さんの作品の多くは書の世界そのもの！ほとばしる墨液、かすれ、濃淡、空中の動作など全てが音楽として表現されています。僕が中学生の時、親の仕事の都合で来ていたアメリカ人の生徒が、書道の時間に先生の書かれる作品を見て“力強い！”と感嘆したのが印象的でしたが、書かれている字は読めなくともその魂は伝わるのです。

無理矢理、日本音階を使って作品を書いてもヨーロッパ人は日本人の音楽に耳を閉ざすばかり･･･。細川さんにしてもイサン・ユンにしても西洋の語法を使って彼らには親しみやすく、でも実は一番の本質を突く。童話『北風と太陽』の話を思い出すのは僕だけでしょうか？

写真は先日のレコーディング風景。『ドローイング』(書の意味)の録音をチェックしているところ。

“現代音楽”と言うジャンル、CDは“クラシック”コーナーの一角にひっそりと置かれている。確かにクラシック音楽の現在の形であるが現代音楽とは一体何なのか？このコーナーで探っていきたいと思います。

僕にとっての“現代”とは僕がこの世に生を受けてから現在に至るまでと勝手に決めています。バルトークは現代音楽と言う人、シェーンベルクも現代音楽と言う人もいるが彼らは歴史上の人物。紛れもない“クラシック音楽”です。

僕は人に現代音楽を「現在の（現代の）芸術音楽」と説明している。僕が歌謡曲をやっていると思っている人もいますので…。もちろん歌謡曲も完全に芸術性が無いとは言い切れませんが！

クラシック音楽との違いは作曲家にどんな気持ちで、どんな意味で曲を書いたのか実際に聞ける事。「すごく細かく書いてあるから出来るだけ正確に演奏しよう」と思って練習しても作曲家が「演奏しやすいように揺れても良い」と言う事があるし、「何も書き込みが無いから自由に演奏しよう」と思っても作曲家が明確なイメージを持っていて、それに縛り付けられることもあります。楽譜と言うのは演奏をするためのヒントのようなもので全てを伝えられるものではありません。モーツァルトの音楽でも現在は色々な解釈がありますが、実際にモーツァルトがどんなイメージを持って曲を書いていたかなど今となっては直接聞く事が出来ないのです。

と言う訳でこれから現代音楽の魅力を実際の作品を例に挙げ、独断と偏見も織り交ぜながら皆さんにご紹介していきたいと思います。現代音楽にハマる人が増える事を祈って…！